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Posts Tagged ‘experimental’

[CAMN002,003 & 004] Scott Lawlor (Experiments in Isolation)

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Artist: Scott Lawlor (https://scottlawlor.bandcamp.com/)

Netlabel: Cerebral Audio Netlabel (http://www.cerebralrift.org/downloads/experiments-isolation-one/)

License: cc-by-nc-sa 4.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0/)

 

La privación sensorial en un mundo hiperestimulado.

Hace 10 meses ya mencioné esta obra en el blog, pero ahora que escribo reseñas “sui generis” de los “releases” que cito, no quería dejar escapar la oportunidad de comentar este “Experiments in Isolation”.  Los que escuchamos música con licencias libres tenemos un cierto complejo de inferioridad frente a las discográficas, seguramente facilitado por los años dejando que fuesen ellas las que nos dijeran qué debemos escuchar y, porqué no, también tenemos esa extraña manía occidental de no darle valor a las cosas gratuitas.  Este disco, sin embargo, nos reafirma, puesto que demuestra que, con licencias libres, se pueden hacer grandes obras.

La obra gira en torno al concepto de privación sensorial y sus usos terapéuticos.  La privación sensorial es motivo de controversia, puesto que sus usos terapéuticos no están suficientemente validados y, además, algo que no conviene olvidar, su uso más extendido es en la tortura.  Lo que interesa aquí, sin embargo, es la posición estética que Scott Lawlor adopta al elegir el tema y proponer la música; es decir, la creación de una música que sea reflejo del estado de privación sensorial.  El sonido de “Experiments in Isolation” es minimalista en todos los sentidos: en tonalidad, en variabilidad y en dinámica.  En la sociedad occidental (y diría que también en la oriental), la estimulación se está usando como reclamo comercial, los anuncios contienen mil estímulos sexoaudiovisuales, en las películas pasan miles de cosas y la música está muy fuerte y los protagonistas no paran de hablar, etc.  Inmersos en esta “normalidad”, el minimalismo ejerce el contrapunto necesario para muchos y, paradójicamente, en otros, provoca sensación de privación sensorial.  Porque es como si nos faltara algo, como si esperáramos algo y no llegara y, a muchos, les pone nerviosos, les aburre, incluso si se les obligara a escucharlo, resultaría una tortura.  En el otro lado estan los que ven en ello una oportunidad de “terapia”, o de ayuda a la terapia.  Toda la música “new age” está fundada en este concepto.  El acierto de Scott Lawlor es unir estos dos conceptos en una sola obra y, además de disfrutarla (a los que no nos aburrimos), nos da la oportunidad de pensar en ello.

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[pn121] Luis Marte y Poltamento (Móvil / Inmóvil)

Artistas: Luís Marte (https://soundcloud.com/luismarte) & Poltamento (https://soundcloud.com/poltamento)

Label: Pueblonuevo (https://pueblonuevo.cl/catalogo/movilinmovil/)

Licencia: CC BY-NC-SA Attribution-Noncommercial-Share Alike 3.0.

La Creación y el Caos.

Una de las razones, por las que no hemos conseguido la Inteligencia Artificial, es porque no entendemos la conciencia como generadora de patrones, cuyo origen es el azar (aleatoriedad no determinista e impredictibles – algo que, dicho sea de paso, ni tan sólo somos capaces de generar con nuestras máquinas).

Escuchando “Triadic Memories” de Feldman el oyente tiene que luchar, primero con su aburrimiento, luego con su mente, que intenta desconcentrarse del sonido y, finalmente, con los sonidos circundantes.  Muchos abandonan.  Pero si uno persevera y deja de luchar, acepta el aburrimiento, sus pensamientos y los sonidos del ambiente como parte de la experiencia.  Más tarde, incluso puede encontrar como todo se funde en una composición coherente (coherente, claro está, sólo en la mente del oyente).  Eso es lo que yo considero un indicio de la generación de patrones como parte findamental de la conciencia.

Pues resulta que la creación humana es tan genial y está tan intrincada que, muchos años después, dos músicos se juntan y consiguen reproducir toda la experiencia en un sólo trabajo.  Luis Marte y Poltamento en “Móvil / Inmóvil” aúnan el objetivo de la atención (el piano), con el ruido (los glitches) y los funden en el tempo exacto para generar la experiencia.  Además, logran eliminar el factor de aburrimiento con un uso más “jazz” del piano y unos sonidos granulares muy interesantes (más que mi vecino cantando, desde luego).

 

 

[kahvi#384] MigloJE (Perception)

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Artist: MigloJE (https://soundcloud.com/migloje)

Netlabel: Kahvi Collective (http://www.kahvi.org/releases.php?release_number=384)

License: CC-BY-NC-ND (https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/)

 

Las Películas de Miedo

Durante mucho tiempo se me ha “acusado” de hacer música para películas de terror.  De hecho, cuando alguien que no conozco mucho sube a mi coche o entra a mi casa y, accidentalmente, oye alguna de las músicas que escucho, siempre me preguntan si escucho la banda sonora de una película de miedo.  Es algo a lo que no le doy mucha importancia y que me ha pasado esta semana, escuchando la obra de MigloJE.

Supongo que es esta asociación por el que, deliberadamente, se hace tanto “dark ambient”.  Sin embargo, la relación no suele ser tan evidente y, en el principio, desde luego, no lo era.  De hecho, el propio MigloJE define su música como “ambient”, sin el “dark”.  Entonces: ¿porqué los que no suelen escuchar música experimental la relacionan con el cine de horror?  Creo que está claro: por el uso que éste ha hecho de la música experimental.  Un ejemplo claro y seminal es la banda sonora de El Exorcista (1973), donde usa obras de Krzysztof Penderecki, de George Crumb e incluso de Mike Oldfield, obras que no habían sido compuestas, en principio, para ilustrar una posesión demoníaca.  Entonces, la siguiente pregunta es: ¿porqué se usa tanto la música experimental en el cine de terror?  Creo que, para eso, hay dos posibles respuestas:

  1.  El uso de la disonancia en la música de las segunda mitad del s.XX y, el desconocimiento del público en general, acuentúan la sensación de estar entrando en un mundo desconocido y peligroso.
  2. Precisamente las películas de terror funcionan, muchas veces, como metáforas de la entrada a mundos desconocidos, especialmente a principios de los 70, donde eran una derivación del “mal viaje”, provocado por el LSD.

En el punto 2 es donde se juntan las intenciones de unos y otros de forma inesperada, puesto que, dejarse llevar por música como la de “Perception” nos introduce en nuevas ideas y nuevas sensaciones que son, siempre, estimulantes (aunque, a veces, también, de un poco de miedo)

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[Petroglyph541] Nemeton (Cursus)

00 - Nemeton - Cursus - Cover.jpg

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Artist: Nemeton (http://nemeton.org.uk/)

Netlabel: Petroglyph (https://archive.org/details/Petroglyph541Nemeton-Cursus)

License: CC-BY-NC-ND (https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/)

El ritmo de la naturaleza.

Sigo pensando que la influencia del romanticismo se extendiende de forma exagerada en nuestra cultura: el mito del artista como ser especial, la intensidad de los sentimientos, etc.  De hecho, vivimos una reducción del movimiento artístico, puesto que hemos substituido las sinfonías (donde había momentos de intensidad) por las canciones (donde todo es intensidad).   Pero lo esencial, creo, es que hemos olvidado la naturaleza como inspiración para cambiarla por el ser humano, sólo por el ser humano.  Durante el renacimiento convivieron los dos paradigmas y resultó mucho más interesante.

¿Y cómo es el sonido en la naturaleza?  Pues de muchas formas pero, fundamentalmente: dinámico.  Dinámico como esta obra de Nemeton, que representa al “field recording” en este movimiento de reivindicar la naturaleza como una materia prima válida para el arte.  Naturaleza, claro está, sin humanos.

from Nemeton:

The Dorset cursus is the largest neolithic feature in northern Europe, stretching for more than 10 km over a chalkland landscape. Constructed over 5000 years ago, its purpose remains enigmatic, but it is believed to have been used as a processionary route for the dead. It is aligned so that the sun sets behind the terminal long barrow at the winter solstice, when the souls of the departed were perhaps taken by the sun to the underworld. 
 
This piece was produced as the soundtrack to a video of the cursus filmed in winter, at dusk, in foggy conditions. Field recordings made during filming were combined with other found sounds, including those generated by flints collected from both the terminal long barrows of the cursus. Other sound sources included improvised performances using acoustic instruments, which were electronically processed to create a series of evolving textures. The piece is structured to evoke ritualistic movement across the landscape, the features of which are successively revealed and obscured. In this way the composition explores the loss and evolution of meaning through the passage of time. 

[enrmp401] ps (Self-Doubt Mountain)

cover

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Artist: PS (https://webuser.scene.org/~ps/)

Netlabel: Enough Records (http://enoughrecords.scene.org/release/enrmp401)

License: CC-BY-NC-SA (http://creativecommons.org/licenses/3.0/by-nc-sa)

 

Hiperlink

Estoy de acuerdo con las derivaciones del concepto de Inmediatismo de Hakim Bey, una de las cuales es que, la industria del espectáculo, fomenta la saturación de los sentidos para impedir la interpretación, la libertad de complementar una obra de arte con tus propios pensamientos o sentidos.  El espectáculo en 4D SuperDolbySurround de gente corriendo, bailando y pegándose es ideal para eso, no hay tiempo para tí, sólo para sus absurdas ideas.

Una de las posibles reacciones a esta ocupación de nuestra conciencia que tenemos los artistas es crear obras irreferenciales y desprovistas de “links” entre los sentidos.  Para entendernos: una melodía, una poesía, un cuadro rojo… y ya está.  El resto lo pone el espectador haciendo uso de su individualidad y libertad.

En la práctica, ésto es casi imposible, ya que, o bien nuestra cultura, o bien nuestra genética, nos impele a encontrar asociaciones. Así, un punto intermedio es ideal. (como casi siempre) Esta obra de “ps” es un precioso ejemplo de esto. Su texto de introducción:

Introspectivo drone / ambient / noise / shoegaze álbum. Este álbum es acerca de anhelar el significado más profundo de las cosas, preguntándose si realmente quieres subir las pendientes empinadas que te llevan más y más en la cordillera. ¿Por qué anhelamos lo que está fuera de nuestro alcance? ¿Por qué queremos lo insostenible? ¿Qué impulsa a algunos a seguir ciegamente su sueño mientras que otros se conforman con la oscuridad segura?

nos da un cierto sentido de reflexión que se complementa con los títulos, todos de gente “exitosa”.  Pero el giro viene en la música, “drone” que deja espacio para la reflexión, que no tiene una relación directa con el soporte conceptual, de forma que uno puede empezar a reflexionar sobre esto y, tranquilamente, seguir con sus propios pensamientos sin que el sonido te obligue a nada.

[Petroglyph535] My Own Cubic Stone (Perseides)

cover2

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Artist: My Own Cubic Stone : https://soundcloud.com/my-own-cubic-stone

Netlabel: Petroglyph Music : https://archive.org/details/Petroglyph535MyOwnCubicStone-Perseides

License: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/

Resonancia

Puede que, para los entendidos en el tema, resulte una verdad de perogrullo, pero, hasta que no he escuchado este disco, reflexionando sobre su sonido, no me he dado cuenta de algo que es obvio en mucha de la música electrónica y, especialmente, en el “ambient”.  En muchos momentos hemos eliminado una de las partes humanas de la interpretación musical, el ataque.  Es una característica más de lo electrónico no intentando emular a un instrumento tradicional, ya no oímos cómo alguien golpea una cuerda o una tecla, sólo oímos lo que es puramente sonido, su consecuencia, su reverberación.  Aunque, inconsciente, me parece un buen punto de experimentación para una música genuinamente artificial.

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[cior61] Lefterna (Il Nome della Rosa)

cover

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Artista: Lefterna (https://soundcloud.com/boban-ristevski)

Título: Il Nome della Rosa

Netlabel: Cian Orbe Netlabel (https://humanfobia.jimdo.com/cian-orbe-netlabel/)

Info y Download: https://archive.org/details/cior-61-lefterna-il-nome-della-rosa

Licencia: cc-by-nc-nd (http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/)

 

Transiciones

Supongo que, como todo aquél que se dedica a la música, he reflexionado muchas veces sobre la transición entre la “no escucha”, es decir, el tiempo en el que un oyente no está escuchando activamente una pieza (y que no tiene porqué ser silencio) y “la escucha”.  En una comparación con la pintura, ese espacio de transición sería el marco.  Durante siglos el marco no lo ha hecho el propio artista, sino que ha sido un elemento decorativo que realzaba y protegía al cuadro.  Actualmente hay pocos cuadros con marco y la transición se suele dejar a las impolutas paredes blancas de los museos (¿ blanco = silencio ?)  Es decir, al artista no le importa, no se preocupa de hacer una transición desde el blanco hasta su obra. Y está bien.  Una de las obras más inmersivas que he visto: “Blau I,I,III“, de Miró, tiene una sencilla transición negra.

Siempre he pensado que el “drone” necesita transición: empezar con un largo “fade-in” y acabar con un largo “fade-out”.  Creo que esta es una buena manera de conseguir la inmersión en la escucha.  Sin embargo, también es una manera de aburrir al público, puesto que se le exige un extra del que quizá no está dispuesto.  En los tres primeros “tracks” de esta obra, “Lefterna” no usa transiciones, noa introduce directamente en un “drone” elaborado, no asistimos a su creación, ya está hecho y nos lo presenta y, tal como viene, se va.  Pasado el “shock” inicial, ya estamos dentro, un poco como “El Canto del Inmediato Satori

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