[enrmp401] ps (Self-Doubt Mountain)

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Artist: PS (https://webuser.scene.org/~ps/)

Netlabel: Enough Records (http://enoughrecords.scene.org/release/enrmp401)

License: CC-BY-NC-SA (http://creativecommons.org/licenses/3.0/by-nc-sa)

 

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Estoy de acuerdo con las derivaciones del concepto de Inmediatismo de Hakim Bey, una de las cuales es que, la industria del espectáculo, fomenta la saturación de los sentidos para impedir la interpretación, la libertad de complementar una obra de arte con tus propios pensamientos o sentidos.  El espectáculo en 4D SuperDolbySurround de gente corriendo, bailando y pegándose es ideal para eso, no hay tiempo para tí, sólo para sus absurdas ideas.

Una de las posibles reacciones a esta ocupación de nuestra conciencia que tenemos los artistas es crear obras irreferenciales y desprovistas de “links” entre los sentidos.  Para entendernos: una melodía, una poesía, un cuadro rojo… y ya está.  El resto lo pone el espectador haciendo uso de su individualidad y libertad.

En la práctica, ésto es casi imposible, ya que, o bien nuestra cultura, o bien nuestra genética, nos impele a encontrar asociaciones. Así, un punto intermedio es ideal. (como casi siempre) Esta obra de “ps” es un precioso ejemplo de esto. Su texto de introducción:

Introspectivo drone / ambient / noise / shoegaze álbum. Este álbum es acerca de anhelar el significado más profundo de las cosas, preguntándose si realmente quieres subir las pendientes empinadas que te llevan más y más en la cordillera. ¿Por qué anhelamos lo que está fuera de nuestro alcance? ¿Por qué queremos lo insostenible? ¿Qué impulsa a algunos a seguir ciegamente su sueño mientras que otros se conforman con la oscuridad segura?

nos da un cierto sentido de reflexión que se complementa con los títulos, todos de gente “exitosa”.  Pero el giro viene en la música, “drone” que deja espacio para la reflexión, que no tiene una relación directa con el soporte conceptual, de forma que uno puede empezar a reflexionar sobre esto y, tranquilamente, seguir con sus propios pensamientos sin que el sonido te obligue a nada.

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[Petroglyph535] My Own Cubic Stone (Perseides)

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Artist: My Own Cubic Stone : https://soundcloud.com/my-own-cubic-stone

Netlabel: Petroglyph Music : https://archive.org/details/Petroglyph535MyOwnCubicStone-Perseides

License: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/

Resonancia

Puede que, para los entendidos en el tema, resulte una verdad de perogrullo, pero, hasta que no he escuchado este disco, reflexionando sobre su sonido, no me he dado cuenta de algo que es obvio en mucha de la música electrónica y, especialmente, en el “ambient”.  En muchos momentos hemos eliminado una de las partes humanas de la interpretación musical, el ataque.  Es una característica más de lo electrónico no intentando emular a un instrumento tradicional, ya no oímos cómo alguien golpea una cuerda o una tecla, sólo oímos lo que es puramente sonido, su consecuencia, su reverberación.  Aunque, inconsciente, me parece un buen punto de experimentación para una música genuinamente artificial.

[al041] Atrio Serenade (Vacío)

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Artista: Atrio Serenade (https://www.facebook.com/Atrio-Serenade-130399183698454/)

Netlabel: Alina (http://alinamusica.blogspot.com.es/)

Info: http://alinamusica.blogspot.com.es/2017/04/vacio-atrio-serenade-al041.html

Licencia: cc-by-nc-nd (http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/)

El cuerpo y el sonido.

Siempre le he tenido envidia a la música de baile (desde la de las fiestas mayores a el IDM) porque ellos tienen ganada una relación con el público directa: la correspondencia entre el movimiento corporal y el ritmo.  De esta forma, el oyente participa de la experiencia háptica y cinética de la música, la complementa y se funde en ella.  Los que hacemos música no bailable perdemos ese canal que es, incluso para algunos, la única relación real entre oyente y músico.

Sin embargo, el cuerpo no está quieto ni desacompasado incluso cuando está en reposo o caminando, conduciendo o trabajando.  Intuitivamente y, sólo basado en mi experiencia, diría que hay una correspondencia entre la atención en la música y el “tono” físico general.  Como, insisto, no me baso en ninguna aseveración científica, no hay forma de comprobar qué es. ¿El ritmo cardíaco, la respiración, el tono muscular, alguna corriente eléctrica cerebral?  Yo lo he vivido de forma clara en algunas ocasiones:

• Escuchando los discos de Coltrane de los 60.
• Escuchando la música de Popol Vuh.
• Escuchando este disco de Atrio Serenade, donde no sólo sentí una correspondencia música-cuerpo, sino que, además, como la música de Popol Vuh, también influyó en la contemplación del paisaje (que eran simples hojas verdes de árbol meciéndose al viento). Es curioso porque esta correspondencia ya apareció desde el primer track, cuyas referencias sonoras no estan tan próximas a grupo de Florian Fricke pero que, creo, se vuelven claras en su último tema: “Visiones del Paraíso”.

 

[cior61] Lefterna (Il Nome della Rosa)

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Artista: Lefterna (https://soundcloud.com/boban-ristevski)

Título: Il Nome della Rosa

Netlabel: Cian Orbe Netlabel (https://humanfobia.jimdo.com/cian-orbe-netlabel/)

Info y Download: https://archive.org/details/cior-61-lefterna-il-nome-della-rosa

Licencia: cc-by-nc-nd (http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/)

 

Transiciones

Supongo que, como todo aquél que se dedica a la música, he reflexionado muchas veces sobre la transición entre la “no escucha”, es decir, el tiempo en el que un oyente no está escuchando activamente una pieza (y que no tiene porqué ser silencio) y “la escucha”.  En una comparación con la pintura, ese espacio de transición sería el marco.  Durante siglos el marco no lo ha hecho el propio artista, sino que ha sido un elemento decorativo que realzaba y protegía al cuadro.  Actualmente hay pocos cuadros con marco y la transición se suele dejar a las impolutas paredes blancas de los museos (¿ blanco = silencio ?)  Es decir, al artista no le importa, no se preocupa de hacer una transición desde el blanco hasta su obra. Y está bien.  Una de las obras más inmersivas que he visto: “Blau I,I,III“, de Miró, tiene una sencilla transición negra.

Siempre he pensado que el “drone” necesita transición: empezar con un largo “fade-in” y acabar con un largo “fade-out”.  Creo que esta es una buena manera de conseguir la inmersión en la escucha.  Sin embargo, también es una manera de aburrir al público, puesto que se le exige un extra del que quizá no está dispuesto.  En los tres primeros “tracks” de esta obra, “Lefterna” no usa transiciones, noa introduce directamente en un “drone” elaborado, no asistimos a su creación, ya está hecho y nos lo presenta y, tal como viene, se va.  Pasado el “shock” inicial, ya estamos dentro, un poco como “El Canto del Inmediato Satori“

[pn119] Red Kite (#1)

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Artista: Red Kite : https://jazznoize.wordpress.com

Título: #1

Netlabel: https://pueblonuevo.cl

Info y Download: https://pueblonuevo.cl/numeral-1.htm

Licencia: cc-by-nc-sa (http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/3.0/)

“Red Kite” (‘Cometa Roja’ en castellano) es un proyecto de Sergio Sánchez, artista sonoro y músico experimental
ungido en Murcia (España), que nace de la necesidad de unificar varias de sus obras dispersas que no seguían los
criterios estéticos de su alias más conocido, ‘Jazznoize’.

Estas composiciones se diferencian por el uso de fuentes de sonido diferentes. Mientras con ‘Jazznoize‘, el
elemento principal para experimentar con los sonidos es la grabación de campo, con ‘Red Kite‘ es todo lo contrario,
música electrónica como base compositiva para generar unas estructuras sonoras que participan de lo que llamó Kim
Cascone ‘Estética del error’, y centradas en los géneros del drone y el ambient menos complacientes. Los sonidos
post-digitales, con el uso de software e instrumentos como los samplers y algunos sintetizadores low fi, son la
referencia principal unido a un poso ideológico marxista en la concepción de sus trabajos.

Ejemplo de esto último es su nuevo trabajo bajo este pseudónimo. Se titula ‘#1‘, y reúne temas inspirados en
algunos momentos del siglo XX, como la revolución en Alemania organizada por la Liga Spartakus, o la dictadura
Argentina con su crítica al mundial de fútbol de 1978 que celebraba la fiesta de los goles mientras que se
realizaba un auténtico genocidio y supresión de libertades, o también la reivindicación del marxismo
revolucionario y anti imperialista de una figura conocida, Ernesto Che Guevara. Las otras dos grabaciones se
alejan del compromiso político para adentrarse en la reivindicación de figuras como la compositora Eliane Radigue.
Y ya en el caso de ‘Olimpo’ es un ejercicio estilístico, una simple relectura de los temas anteriores utilizando
samplers de algunos micro-sonidos. Las influencias más significativas para generar las texturas de ‘Red Kite‘
son Oval (sus primeros trabajos), Tim Hecker, Fennesz, Adam Pacione, Alva Noto, pero con un corte aislacionista
en su sonido y con un sentido de la repetición como elemento nodular que redirige los ruidos y las melodías de
sus composiciones.”

La Evocación Emocional.

A veces ocurre espontáneamente y, de repente, un estado emocional olvidado vuelve a la conciencia y la impregna y, en ese momento, vemos el mundo con otros ojos, uno ojos que son diferentes a los nuestros, caso como si pudiésemos sentir cómo ve el mundo otra persona.  Desconozco si éste es un fenómeno común a todo el mundo, puesto que no recuerdo haberlo comentado con nadie, precisamente por la dificultad de explicarlo.

Parte de la responsabilidad en la pérdida de estados de conciencia (o emocionales) es la experiencia.  Cuántos de nosotros quisiéramos leer por primera vez aquél libro que tanto nos gustó o volver a la edad X para descubrir la música de Y.  Algo parecido me pasa a mí con las voces grabadas con ese particular filtrado de las radios AM: me retrotraen a las noches de radio de mi infancia y a aquellas voces de la emisora de radioaficionado de mi padre en los veranos infinitos. Pero, claro, yo había olvidado  aquella sensación, no el recuerdo, pero sí cómo me sentía.  He escuchado muchas veces voces de grabaciones antiguas, pero nunca me han evocado a esos tiempos.  Sin embargo, las grabaciones presentes en este trabajo, sí lo han conseguido. ¿Porqué?  Creo que Sergio Sánchez (Red Kite / Jazznoise) utiliza la mezcla y, sobretodo, usa el tiempo para adentrarnos en un estado de conciencia abierto, de forma que nos predispone a la evocación, ya sea por su propia música, por elementos de ésta o por sensaciones que experimentemos mientras la escuchamos.  La música de este trabajo cumple, entonces, una doble función que sólo lo cumplen algunas pocas obras: evoca y es, a la vez, evocadora.

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Extra: Aprovechando que aparece Sergio por aquí no me gustaría dejar de recomendar el tarbajo de 2015: “The Sound of Power Lines”, que nos retrotrae directamente a los inicios del drone. (“Más tarde descubría el mucho más definido y homogéneo zumbido armónico del transformador de alta tensión instalado en la parte trasera de la gasolinera de su abuelo.“)

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así como su netlabel:

República Ibérica Ruidista.

y, como guinda, una entrevista en “Llums de Tunguska”:

http://llumsdetunguska.blogspot.com.es/2017/04/llums-de-tunguska-programa-68-05-04-2017.html

 

 

[zen013] Bug (Choosing Patterns)

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Artista: Bug

Título: Choosing Patterns

Netlabel: http://zenapolae.com/

Info y Download: http://zenapolae.com/zen013

Licencia: cc-by-nc-sa (http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0/)

La línea entre el ruido y el dance.

En una reciente “conversación” por facebook con Io Casino, a tenor de mi anterior post, reflexionábamos sobre si el ruido usado musicalmente pertenece ya, o no, a la cultura popular.  Yo siempre he visto una línea clara desde los ruidistas italianos y los electrónicos franceses y alemanes a las pistas de bailes actuales (que me perdonen los historiadores de la música).  Uno de los puntos decisivos, creo, se encuentra en la asunción del minimalismo repetitivo por parte de los músicos electrónicos del krautrock (con el “motorik”, por ejemplo) . Manuel Göttsching con su “E2-E4” y Kraftwerk fueron fundamentales a tal efecto.

Me interesa mucho el equilibrio entre repetición (ritmo) y experimentación y me cuesta mucho encontrar trabajos que se mantengan en la frontera.  He escuchado gran parte del catálogo de Raster-Noton buscando ese sonido y, aunque en ocasiones me siento fascinado por alguno de sus trabajos, siempre derivan hacia un lado del río demasiado conocido.

Este disco es un ejemplo de estado intermedio: en ocasiones parece un artista de Raster-Noton, en ocasiones una trabajo experimental y, en otras, algo minimalista y repetitivo.  No he vuelto a saber nada más de este artista desde su publicación (2012), pero creo que merece revisar éste, que yo sepa, único “release”.

[zen154] Venus Vulture (Air & Eyes)

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Artista: Venus Vulture (http://www.venusvulture.com/)

Título: Air & Eyes

Netlabel: http://zenapolae.com/

Info y Download: http://zenapolae.com/zen154

Licencia: cc-by-nc-sa (http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0/)

La Belleza en la Nueva Música.

Recuerdo un reportaje donde Jordi Savall explica que él busca, fundamentalmente, la belleza.  Siempre he sentido envidia de estos músicos que la buscan y, efectivamente, la consiguen.  Por supuesto, se necesitan muchas horas de trabajo y no menos talento para conseguirlo, pero, además, los que se dedican a músicas antiguas tienen un punto a favor: nuestro acervo cultural.  En oídos entrenados para la armonía, cuando una música nos da aquello que esperamos, lo que ya conocemos, y lo hace bien (en el caso de Jordi Savall, excelente), nos deleita, no conmueve y, sí, encontramos la belleza.

¿Y los que hacemos nueva música o música fuera de los cánones habituales?  Pues es mucho más difícil encontrar la belleza, sólo por el simple hecho de que lo desconocido, de por sí, ya nos pone alerta, nos da miedo e incluso sentimos rechazo.  También es cierto que algunos vemos belleza donde otros ven fealdad y, al revés, pero ésta es otra historia, yo me refiero aquí a un consenso muy generalizado.

Yo no puedo abstraerme de mi historia como oyente y músico, así que desconozco lo que opinaría otra gente sobre ésto, pero me parece que algunas obras, como por ejemplo, la que nos ocupa: “Air & Eyes” de Venus Vulture, transmiten ese tipo de belleza universal, apreciable por todos los humanos, aún tratándose de una música relativamente nueva, cuyas raíces no tienen más de 50 años.