[pt047] Luís Antero (Sound Places: Serra do Açor, Vol. 1)

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Artista: Luís Antero (http://luisantero.yolasite.com/)

Título:  Sound Places: Serra do Açor, Vol. 1

Netlabel: Plus Timbre (http://www.plustimbre.com/)

Info y download: http://www.plustimbre.com/releases/0472017.html

Licencia: CC-BY-NC_ND (https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/)

 

La Fotografía y la Pintura:

 

Algunos de los sonidos que más me han fascinado:

  • Una nota de viola en la “Rothko Chapel”, de Feldman. (no pregunten el minuto)
  • El zumbido de un abejorro. (me gusta más la palabra “borinot”)
  • Una noche de tormenta de verano.

Si quisiéramos reunir todos estos sonidos en una obra tendríamos, pues, un sonido “creado”, expresamente, dentro del lenguaje musical, al que podríamos equiparar con la pintura y, los otros dos, procedentes de la naturaleza, que podríamos grabar, lo que podríamos equiparar con la fotografía.  Pintura y naturaleza, música y fonografía, un equilibrio difícil que, en este trabajo, consigue Luís Antero.  Como él mismo indica, consigue recrear un espacio sonoro mediante las grabaciones, pero la linealidad, no la yuxtaposición, de la mezcla, le confiere una dimensión expresiva que le acerca a la música. Música y pintura hermanadas.

 

 

Categories: experimental Tags:

[brhnet46] Glenn Sogge / Boson Spin (Thoughts Becoming (Other) Things)

 

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Artista: Boson SpinGlenn Sogge

Título: Thoughts Becoming (Other) Things

Netlabel: Breathe Compilations

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Licencia:  Attribution-Noncommercial-Share Alike 3.0

La utilidad del arte.

 

Muchos piensan que el arte es un “pasatiempo” para burgueses, una forma de matar el aburrimiento en una vida instalada permanentemente en la zona de confort. Puede que, en ocasiones, sí sea este el caso.  Sin embargo, la mayoría de veces no es así:

  • A nivel estético (entendido como filosofía del arte), creo que la cultura proporciona el marco abstracto psicológico perfecto para cultivar ideas que, en ocasiones, una vez puestas en contexto, pueden ser increíblemente útiles.  Como si la expresión artística fuera el caldo primigenio neurológico que permite a la conciencia humana volverse cada vez más abstracta, abarcar más esquemas de una forma instantánea, y que ésto repercute también en una suerte de estado mental o “zeitgeist” necesario, también, para los científicos, ingenieros, médicos y demás gente “de provecho”, que necesitan hacer avanzar la ciencia hacia terrenos mucho más complejos.

 

  • A nivel personal la experiencia artística también nos puede aportar mucho.  Como ejemplo, el caso del disco que nos ocupa: “Thoughts Becoming (Other) Things”.  En mi día a día, y supongo que ésto también es un signo de los tiempos actuales, hago mil cosas y cambio de rol media docena de veces: soy padre e hijo, profesor y alumno, empleado y jefe, etc.  Por una disposición personal o cultural (bendita cultura catalana), tiendo a vivir un tiempo por delante, anticipándome y haciendo planes para que todo salgo como es debido.  Invierto parte de mi potencial de atención en la acción actual, pero no todo “mi yo” está aquí en este momento, sinó que hay una parte que siempre está por delante, en otro sitio o, incluso, viéndolo desde el punto de vista de otra persona (el famoso “¿qué pensaran?)  Este estado de conciencia podría resultar útil y natural si no fuese porque he experimentado el otro: el estar presente totalmente en el tiempo y lugar presente. Estar completo no sólo es más satisfactorio psicológicamente, sinó que también aumenta la efectividad.  Sucede, pues, que hay ciertos “trucos” para pasar de un estado al otro y, uno de ellos, es la música. Ya me había pasado en audiciones de Feldman o Werder, pero con este álbum me ha pasado de una forma totalmente inesperada.  Sin prestarle atención, su disposición temporal ha penetrado en el flujo de mi conciencia y la ha ralentizado, permitiéndome ser yo mismo aquí y ahora.

 

 

Chris Silver T (Handmade Project)

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Info:

 

Artista: Chris Silver T

Título: Handmade

Fecha: Desde Abril del 2016 a … ?

Información y download.

Licencia: Attribution-Noncommercial-No Derivative Works 3.0

 

Review:

 

“Handmade”, que cuenta, hasta ahora, con tres “releases”, es un proyecto de Chris Silver T, que ya nos había deleitado con su aproximación al “field recording” con NOS Project. “Handmade” también con grabaciones de campo, pero mucho más manipuladas y/o elegidas para resaltar su carácter “acusmático”, es decir, su utilidad como sonidos dentro de una idea compositiva.  De hecho, esta idea, que ya se intuye en el primer “disco”, ha ido refinándose hasta el tercero, donde el sonido cobra relevancia por sí mismo, no ya como representación de un momento o lugar acústico.

 

Sobre la “Nueva Música Industrial”

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New York from Wikimedia

 

La etiquetas en la música:

 

El uso de las “etiquetas” en la música es ámpliamente controvertido; en primer lugar porque, desde un punto de vista estético, es difícil constreñir la creación artística en un esquema coherente y, en segundo lugar, porque las etiquetas han sido muy usadas por la industria discográfica para llamar la atención del consumidor sobre ciertos productos.

Aún así, puede que exista un componente taxonómico inherente a la psique humana, y, en parte, nuestra forma de entender el mundo pasa por categorizarlo.  Algo que no tiene que ser necesariamente negativo si las etiquetas no se convierten en un dogma y las usamos como lo que son: indicaciones subjetivas.

Desde el invento del gramófono hasta el surgimiento de internet, la música ha estado administrada, principalmente, por la industria discográfica.  Esto quiere decir que ha sido ella la que ha elegido qué era lo que valía la pena escuchar y lo que no.  A la tienda de discos de tu barrio llegaba la música que quería una serie de gente a la que, seguramente, (y en esto habrá excepciones), sólo le importaba el dinero.

Se ha usado mucho el argumento de “calidad versus cantidad”, pero creo que, en muchas ocasiones, éste sólo es una escusa puramente industrial: hace 20 años, si en una ciudad había 100 grupos, no podían grabarse todos y sacar 100 discos, simplemente porque no había medios tecnológicos y económicos suficientes para ello, con lo que alguien tenía que elegir, desde su criterio, cuáles valían la pena y cuales no.  En este punto es donde yo prefiero la cantidad de los tiempos actuales, donde cualquier grupo o persona puede grabarse en su local de ensayo o en su dormitorio y subirlo a internet.  Hay mucho, pero el criterio ha dejado de ser externo y ahora somos cada uno de nosotros los que tenemos que afinar nuestro gusto, nuestro espíritu estético y, tener, por fin, un criterio propio. Es aquí donde las etiquetas nos pueden servir de guía, siempre y cuando, como ya he dicho, las tomemos como referencia.

El movimiento “netlabel” adolece de algunas “tradiciones” heredadas de la industria discográfica: el argumento de “calidad versus cantidad”, la preferencia por el formato “disco” y el uso de etiquetas inventadas por la industria.  Por ello me alegra que estén surgiendo nuevas etiquetas desde el propio movimiento, tal como la de “Música Inclusiva” (ignorability-and-inclusiveness) de C.Reider y la de “Nueva Música Industrial” (A Manifesto for “The New Industrial” Music) de Thomas Park.

 

La “Nueva Música Industrial”:

 

Thomas define la “Nueva Música Industrial” como una música, principalmente, urbana. También deber ser despersonalizada,abstracta y no emotiva en un doble sentido: como reflejo de la masificación democrática arquitectónica (la ciudad debe ser útil para mucha y variada gente) y como expresión de la propia ciudad, no de una cultura urbana concreta.

Musicalmente, Thomas habla de usar texturas “materiales” a partir del procesamientos de las muestras del “ruido” de la propia ciudad.  A mí me gustaría añadir que, el efecto de despersonalización y de texturización, también puede conseguirse mediante la música algorítmica que es,a veces (y esto no lo digo como crítica sino como virtud), similar a estar escuchando una máquina de aire acondicionado en una sala de espera.

Algo que me ha parecido interesante en la propuesta ha sido la intención de conseguir, no un sonido absorvente, sino una atmósfera urbana, con todos sus recovecos, con la representación la ciudad en su aspecto formal pero, también, mítico.

Ahora sólo queda saber quién está haciendo, actualmente, este tipo de música. Thomas Park deja alguna sugerencia, además de él mismo. ¿Se os ocurre alguién más?

 

Traducción 50% google / 50 % propia del manifiesto:

 

(los subrayados son míos)

http://www.mystifiedmusic.com/index.php?/archives/552-A-Manifesto-for-The-New-Industrial-Music.html

Un Manifiesto para la “Nueva Música Industrial”
Por Thomas Park
12/9/2016

Mi nombre es Thomas Park, conocido como el músico “Mystified” ( http://www.mystifiedmusic.com ). He creado ambient, drone y otras músicas oscuras y mínimas desde hace más de una década, y me gustaría compartir algunas ideas que tengo sobre la creación de un movimiento musical al que yo llamo “The New Industrial”.

La principal razón por la que una música “Nueva Industrial” es relevante es que los ambientes urbanos que connota están creciendo. Cada vez más personas viven en ciudades. La costa oeste entera de los Estados Unidos está cerca de convertirse en una megaciudad. Aunque algunas ciudades no son tan prominentes como lo eran una vez, generalmente las ciudades se están convirtiendo en lugares de elección para la gente a, y esa es una tendencia que es mundial.

Estoy a favor de crear un aspecto mítico de la ciudad – vivir en las ciudades se ha vuelto tan común entre la gente que lugares como el DMV, el Distrito Industrial, la parada de autobús, la estación de tren y otros locales son ahora partes de la conciencia de masas. Estos y otros lugares tienen sus propias vistas, sonidos y olores. Como músico estoy interesado en explorar la paleta sónica de tales lugares – de capturar o de hacer su firma auditiva. ¿Cuántos millones de personas han esperado un autobús? ¿O subiste a un metro?

Las ciudades modernas a menudo están atrapadas en infraestructuras anticuadas y en descomposición. ¿Cuánto más evocador es la pista del tren o el patio del tren cuando sólo unos pocos, oxidados, arcaicos coches madera de construcción a lo largo de esas líneas cada día? Tal vez esta es la triste magia que los fotógrafos “UrbEx” persiguen cuando  arriesgan la vida para entrar en los edificios antiguos que han permanecido sin uso o mal uso durante décadas. ¿Qué significa la realidad del calentamiento global con respecto a la existencia de grandes chimeneas, ya sea que hagan humo químico o no? ¿Alguna de la ciudad se ha convertido en mítica en que persiste como memoria ancestral, desde los días de nuestros padres y abuelos?

Yo sugeriría que, en nuestra cultura actual, la música auténtica de la ciudad es la música rap. Rap es el único género que capta la energía y el peligro de los entornos urbanos.El problema con el rap es principalmente que se basa demasiado en la voz humana, y la ciudad es más vasta, más despersonalizada y menos individual que lo que una voz puede evocar con éxito. Rap también sugiere un vínculo con la cultura africana (y por lo tanto afroamericana), y aunque una música “Nueva Industria” debe abarcar este tipo de experiencia, no debe limitarse a ella, sino que debe unir experiencias de personas con todos los orígenes e historias que Han venido a las ciudades a instalarse. Un “Nuevo Industrial” debería ser más como una “Estatua de la Libertad” de la música, dando la bienvenida a todos a reunirse.

Siendo lugares para masas de gente para trabajar y sobrevivir, las ciudades implican una calidad despersonalizante. Esto es necesario, ya que los recursos del entorno urbano tienen que funcionar para un amplio espectro de personas con diferentes necesidades. El autobús tiene que trabajar para todos nosotros (o tantos como sea posible), el juzgado debe permitirnos pasar y tener nuestra opinión y experiencia, y ya que todos estamos involucrados, no uno de nosotros en particular, sino nosotros como un comunidad. De ahí la despersonalización. Una nueva música industrial debería capturar este efecto también, siendo similarmente accesible a muchas personas, y de manera similar abstracta o no emotiva.

Otra evocación de una calidad despersonalizada es la falta de vegetación en una ciudad, donde muchos kilómetros cuadrados de hormigón y asfalto bordean la hierba, los arbustos y los árboles, la gente se siente aislada de su naturaleza y por lo tanto de sus raíces. Es el trabajo de “Nuevo Industrial” para hacer esta experiencia tangible.

Si hay un espectro emocional para la estructura de las ciudades sería el temor. Temor por el tamaño y el alcance de sus estructuras, su capacidad para ser inaccesibles, el sentido de que representan instituciones que están fuera de nuestro control. Temor de que una persona se pierda o necesite ayuda y sea incapaz de encontrarla, excluida por los millones que no los conocen o por los edificios que alojan los recursos necesarios. Los arquitectos del Tercer Reich construyeron estructuras conscientemente grandes, para ennoblecer e intimidar a los individuos. Este efecto se logra sin intención en la mayoría de las ciudades modernas, donde los enormes rascacielos están cerrados y asegurados y se convierten en lugares donde muchos no son bienvenidos.

Pasando a elementos musicales específicos, la textura puede ser una calidad tanto en la música como en los materiales. Las ciudades están llenas de texturas – en gran parte debido a las sustancias artificiales que comprenden los edificios, calles y otras estructuras. Hay metal – tanto en su aspecto nuevo, pulido, “limpio”, y en su aspecto viejo, oxidado. Concreto, recién vertido y agrietado por el tiempo y los elementos. Asfalto, negro y suave y descolorido y deformado. La yuxtaposición de lo viejo y lo nuevo en la ciudad lo hace así. ¿Cómo se traducen estas texturas visuales en la música? ¿Cómo suena el óxido? ¿O concreto agrietado o pavimento? ¿Puedes oír el borde de una losa de hormigón? Además, la ciudad tiene una presencia – una existencia continua en la conciencia. ¿Podemos utilizar el sonido para evocar esta presencia- la realidad de la proximidad de un entorno urbano, con todos sus rasgos humanos, profanos, contaminados?

Muchos músicos han utilizado instrumentos tradicionales para connotar la ciudad. Sugiero que los sonidos simplemente grabados, utilizando dispositivos de diferente sofisticación, podrían ser relevantes. Las grabaciones pueden ser escuchadas directamente, muestreadas y compuestas, o muestreadas, tratadas y ensambladas después de que se hayan aplicado estos procesos. Efectos tales como granulación, distorsión y reverberación pueden acentuar ciertos aspectos de las grabaciones urbanas. Los efectos pueden sacar especialmente textura y escala. Las grabaciones se pueden hacer en micro y macro entornos – captura de escenas a gran escala, y escenas más pequeñas, tales como dispositivos de equipo y atmósferas de apartamentos individuales u otras áreas cerradas.

Los sonidos urbanos se pueden recoger más directamente en los sitios de construcción o demolición, donde las herramientas eléctricas, las bulldozers, las sierras, los taladros y el otro equipo interactúan con los materiales de las ciudades. Este tipo de ambiente sónico tiende a ser más activo y de alto decibelio, proporcionando sonidos que sobresalen por encima del ambiente. Generalmente evito usar esos sonidos en este tipo de música a menos que sean procesados, ya que estoy enfocado en capturar la ciudad como una experiencia atmosférica, y los sitios de construcción y demolición sobresalen sonicamente.

El ruido como aspecto de la música ha sido explorado. Hay algunos (como Luigi Russolo), que sugirió que el ruido debería ser el elemento principal en un nuevo tipo de música.Otros, como ciertas bandas de rock en los años 90, usaron el ruido junto con elementos melódicos para crear un efecto de “pared de sonido”. El ruido es parte del ambiente urbano. Yo sugeriría que las ciudades son elementos donde el ruido se ha convertido en otro color en la paleta de sonidos. Hay más en el sonido urbano que en el ruido, pero no estaría completo sin él. Una música “Nueva Industrial” debería recojer esto.

He estado escribiendo música durante más de una década, y las ideas de “Nuevo Industrial” aparecen periódicamente a través de mis actividades. Recientemente revisé una carpeta de sonidos que había grabado en un pequeño apartamento urbano de alquiler bajo en los primeros años. Ejecuté estos sonidos a través de ciertos efectos, y luego ofreció las muestras a los artistas con los que trabajar (“Sounds For Urban Discourse” y “Sounds For Urban Discourse 2”). También remixé estos sonidos procesados yo mismo, y ofrecí ese resultado para trabajar con (“Cortina Industrial”). Una serie de piezas resultaron de estos esfuerzos, incluyendo obras de Berthelot, Emerge, Frore, Segment.fault, Scott Lawlor y Phonothek. Las piezas mencionadas aquí aparecen en varios sitios de alojamiento, y la mayoría se han convertido en videos musicales, también, apareciendo en mi playlist de video “The New Industrial” en YouTube.com. ( Https://www.youtube.com/playlist?list=PL9TuK-wqyd1T7kSoquS3kSvqDclizo4L2 )

Llia (controlling SuperCollider synths over OSC)

synths

https://github.com/plewto/Llia

Llia is a framework for controlling SuperCollider synths over OSC.
It provides a comprehensive MIDI implementation and comes bundled
with several instruments and effects.


Features:

* MIDI values to synth parameter mapping.
* Program banks.
* Key-splits, layering and alternate scales.
* Multiple key modes.
* Open collection of synths, effects and controllers.
* Synth Parameter editors.
* Random program generators.
* Patching synths and effects graphically.
* Python scripting.

The doc folder contains a comprehensive set of HTML documents.
The file doc/index.html is the documentation home page.

 

Categories: supercollider Tags:

Thomas Park (Everywhere Drone)

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Info

 

Artist: Thomas Park

Title: Everywhere Drone

Date: November, 2016

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License: Attribution-No Derivative Works 3.0

 

Comentario

 

Los que vivimos en un entorno urbano estamos sometidos a multitud de ruidos procedentes de máquinas y, en ocasiones, de humanos chillones.  Imagino que existirá algún estudio sobre esto, pero intuitivamente, creo que existe una mayor cantidad de ruidos sostenidos y relativamente con pocos dB’s que grandes ruidos como explosiones, ambulancias o bebés chillando.  Estos últimos, simplemente, llaman más la atención.  No es hasta que se apaga el aire acondicionado o cierran la calle por mercadillo que nos damos cuenta que había algo más encima del silencio, o lo que, inocentemente, creíamos silencio.

Este álbum de Thomas Park (uno de los gurús actuales del drone) está ideado para ser exhibido en un entorno arquitectónico concreto, el Abraxas Art Center, dentro del proyecto “loop30”.  Este proyecto busca explorar el límite entre el “muzak” y el “ambient”, programando intervenciones que son más instalaciones sonoras que conciertos y que se llevan a cabo dentro de su “listening room“, un concepto artístico que, desde mi punto de vista, debería estar más extendido. “Treetrunk Records” está documentando estas intervenciones y son altamente recomendables.

El tipo de “drone” practicado por Thomas en este álbum, que prodríamos llamar “industrial”, por la textura de sus sonidos, compagina muy bien con la vida del urbanita. Para mí es casi mágico tener puesto un álbum como este en el radiocassete del coche y no darme cuenta hasta que llego al parking y apago el motor.  Los drones interaccionan perfectamente con un viaje en metro, proporcionándonos un concierto siempre diferente, sugerido por su autor y ampliado por la vida mecánica.

 

Wëska Project (TV Mirror)

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Info

 

Artist: Wëska Project

Title: TV Mirror

Date: 21/11/2016

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License: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/3.0/

Comentario

 

La repetición crea en nuestra conciencia una falta de espectativas que estimula la liberación de la atención.  Además, el uso de la repetición clarifica la estructura de los sonidos, con lo que podemos observar el proceso (Process Music).

Predominan, en este trabajo, los sonidos electrónicos puros repetidos, mezclados con algunas grabaciones instrumentales a un nivel muy, muy bajo.

Como curiosidad, el autor refiere como inspiración los ballets con figuras geométricas de Oskar Schlemmer y la televisión: ¡ curiosa mezcla !